LA · Obraz

 

Свежесть бытия

 

 

Придирчивый зритель, сидевший рядом со мною в первом ряду, явно был недоволен происходящим в спектакле. Особенно его раздражали сентиментальные сцены. Он комментировал каждый шаг этих наивных, «розовых», старомодных людей, а известный шлягер 70-х «Взрослеют дети» энергичным речитативом «допел» вместе с актрисой…Традиции моей семьи сродни тем, что показаны в пьесе «Старые дома» и я не решилась учить старших, «как надо себя вести в театре». Хотелось, ах, как хотелось пресечь бесконечные перешептывания пожилого джентльмена с его дамой, но он, всматриваясь в мой блокнот, опередил меня вопросом: «Вы пишете только о плюсах или о минусах тоже?» Я даже смутилась: «Нет…я анализирую». Это была самая откровенная ложь! Я не анализировала. Я радовалась, что этот громкий зритель  был единственным минусом  театрального праздника; и что  в моём Приморском драматическом театре молодёжи, в старом доме на Светланской 15-А, украшающем  «гостевой проезд», азартно ставят не только новую драму, но и старую добрую лирическую комедию (Режиссеры-постановщики: В.Д. Галкин,[1] Г.М. Колесникова[2]).

Так о пьесе «Старые дома» писали и по-английски:Old Good Comedy. Милая, трогательная, нежная история о Ромео и Джульетте из южного приморского города с успехом шла и в России,  и за её пределами. «Дома» включают в репертуар и теперь. Пресса позитивно отозвалась о недавних постановках в Нижегородском театре драмы, Ивановском областном театре, в Петербуржском Театре на Фонтанке.

Жизнелюбивый одесский юмор, острые репризы, гиперболы, афоризмы пьесы Г. Голубенко, щедро расцвеченные весёлыми и тёплыми музыкальными номерами, в июльском Владивостоке 2011 года…Да, о такой премьере можно было только мечтать!

Молодые преподаватели актёрского факультета и выпускники ДВГАИ, работающие теперь на разных сценических площадках страны, неслучайно оказались в этом зале в знойные вечера 22-23 июля. Каждый новый спектакль – это школа актёрского мастерства. Поздравить любимую труппу с новой творческой работой пришла и талантливый хореограф и педагог Вера Фарапонова, которая активно сотрудничала с театрами Владивостока в 90-е гг. и остаётся для своих учеников одним из важных представителей так называемой референтной группы.

[3]

 Среди зрителей было много истинных театралов разных поколений. Их лица мы видим на каждой Владивостокской премьере. Кто-то привёл на спектакль всю семью, кто-то пригласил невесту. На одном из телевизионных talk show, посвящённых театральному искусству, я услышала: «Ходить в театр сейчас всё более модно и престижно». Лаконичная фраза молодого человека была подхвачена очередью к микрофонам студии. Всем хотелось это признание повторить, поддержать и усилить.

[4]

Спектакль Театра Молодёжи «ВСЕ НАЧИНАЕТСЯ С ЛЮБВИ» (Лирическая комедия в двух действиях) – и  ностальгическая, и назидательная история, которую, безусловно, магически согревает музыка Оскара Фельцмана основательно представленного во Владивостоке работами Театра молодёжи «Быть женщиной это прекрасно», «Пусть гитара играет» и др.

Комедия "Старые дома" рассказывает и об одесситах - самых весёлых людях на Земле, и о любви …как же без неё в театре и в тёплом приморском городе... Но важнее  всего, что эта пьеса - гимн доброте, столь важной в несовершенной, а порой и оскорбительной повседневности. Старый дом на Садовой 15-А напоминает корабль с его неунывающей командой. Жильцы дома - это и клуб единомышленников, и большая дружная семья. Здесь над белыми колоннами на балкончиках, увитых плющом,  вечно сушатся цветистые платья очаровательных жиличек. [5] Эти платья словно нарядные флаги расцвечивания подтверждают, что «все системы корабля работают нормально»[6], и «корабль плывёт!»[7]

Здесь «советуют и решают» председатель дом.кома, орденоносица, красавица, женщина «с характером» Мария Ивановна (засл. арт. РФ Галина  Копылова, Татьяна Донская), бывалый моряк и женолюб Захар Алексеевич(Анатолий Мягких), элегантный «Актёр Актёрыч» Эрнест Борисович (засл. арт. РФ Александр Волосянко, Адисон Салахутдинов), его мудрая спутница Елизавета Семеновна - засл. арт. РФ Екатерина Серебрянская,

[8] сапожник-философ Тимофей Кузьмич (Виктор Сальков, Игорь Чернышев), устремлённая к совершенству, эмоционально щедрая Лена Остапчук (Алла Васильева, Анастасия Гришко), самоотверженный герой спорта Сеня (Вадим Замараев, Игорь Авдеев), и  энергичная дама-почтальон (Анастасия Федосеева).

Увлечённый сбором металлолома Стасик Остапчук (Иноккентий Федосеев, 7 лет)- новая надежда дома и двора, белокурый гений-скрипач, [9]талантливый и нежный, весёлый и хрупкий, инициативный и самостоятельный. Таким всеобщим любимцем был ещё совсем недавно и Андрей (Михаил Климов). Но прошло время, Андрей вырос, влюбился и собирается жениться, вопреки ожиданиям близких, не на великой пианистке, и не на Зое, и даже не на Лоре!

Его прелестная, прогрессивно мыслящая невеста инженер-строитель Галя (Жанна Силко) предлагает проект, который не вполне совпадает с планами жильцов старого дома. Помощник Гали так и не обрусевший чрезвычайно обаятельный кавказец Степан Сухоруков (Никита Сальков) поддается очарованию жительниц дома. Без руля и без ветрил, в строительной каске, с одной кувалдой наперевес он устремляется навстречу судьбе. Происходит чудо. Дом не снесут, ибо дом это часть гостевого маршрута и теперь в нём затевают ремонт!

И о ремонте, и о любви актёры Театра молодёжи говорят как могли бы говорить в своей  гримёрке, в Зелёной комнате, в театральном кафе, в праздничном капустнике, в кругу семьи. Искренним, лично и глубоко прожитым слышим мы монолог актёра!
"Дайте занавес!..."Стирается грань между актёром и образом в диалогах любящих супругов, в словах матерей, обращённых к сыновьям. «Взрослеют дети…». Когда-то робкий «маменькин сын» Андрей решительно начинает взрослую жизнь, Галю принимает вся дружная семья, а она сама понимает, что комфорт - отнюдь не всё, что нужно для счастья.

Спектакль  по-хорошему сентиментален, приятен и тем, кто с нежностью вспоминает прошлое, и тем, для кого это прошлое древняя история «до н.э.». Эта старая лирическая комедия с неожиданными сюжетными поворотами и колоритным юмором даёт  удивительную возможность окунуться в наивную атмосферу приморского города и тёплого соседского братства. Здесь живёт морской ветер… Яркая, вкусная характерность и милая интонация легендарного Привоза, подчёркнуто-театральная манера общения персонажей дарят зрителям ощущение праздника жизни, лёгкость и свежесть бытия. И верится, что наш старый любимый дом на Садовой 15-А (или на Светланской 15 –А),- действительно, наша крепость, и что стоять ему вечно!

Актёрская судьба Екатерины Серебрянской - яркая линия в истории Театра юного зрителя, Камерного театра Драмы, Приморского краевого театра  молодёжи.
Екатерина Павловна  - представительница  артистической  династии. темпераментная, неутомимая ...Бабушка ("В горах моё сердце", У.Сароян), Странница ("Гроза", А.Островский), Мама ("Одноклассники точка ру", Ю.Поляков). Ею создано великое  множество  столь непохожих образов  в детских спектаклях.
Она  любит и  романтические,  и нежные,  и характерные  свои роли ("Пусть гитара играет",  "Бабий бунт", "Василий Тёркин") ...
Друзья, идите и смотрите!  Рассказывайте о своих впечатлениях на страницах Журнала! И поздравляйте любимую актрису с   государственной наградой - присвоением ей звания Заслуженной артистки Российской федерации!

См. Указ Президента РФ от 24.02.2011 N 231 "О награждении государственными наградами Российской Федерации"

Ещё раз спасибо спасибо за "Кошек"!  Это красивый и мудрый спектакль, поставленный режиссёром Лидией Михайловной Василенко.
Смотреть его  ходят   всей семьёй!
Трогательные кошачьи сюжеты и "кошачий бал" в работе Приморского краевого драматического театра молодёжи (см. архив Журнала)  вызывают множество ярких  ассоциаций как у маленьких, так и у взрослых зрителей. 
С "Кошками" невозможно  расстаться. Хочется вновь послушать песни из известного бродвейского мюзикла, повести знакомых на спектакль нашего театра, повнимательнее рассмотреть костюмы. декорации, поделиться мнениями.

Обсуждая многожанровую кошачью историю в театре и кино, представители творческой лаборатории LA OBRAz  не могли не упомянуть и великого Э. Л. Уэббера. Студентка факультета западноевропейских языков Алёна поделилась с нами впечатлениями о знаменитых "Кошках".

"Признаться, мюзикл «Кошки» я увидела впервые. Жалею, что этого не случилось раньше, но, как говорится, лучше поздно, чем никогда. Никогда не являлась поклонницей такого жанра, но эта великолепная постановка заставила меня изменить отношение к мюзиклам в целом.

Во-первых, хочется отметить музыкальную составляющую. Эндрю Ллойд Веббер мастер своего дела! Композиции легки и грациозны, как и сами движения кошек, и точно отражают настроения и характеры описываемых персонажей.

Во-вторых, танцы. Плавность и порывистость, мягкость и грубость, нерешительность и энергичность – всё нашло своё отражение в танцах. Мне даже сложно представить, какая колоссальная работа была проведена в процессе их постановки. Они изумительно прекрасны! В танцах актёры продолжали играть свои роли: мимика, жесты, эмоции – каждая мелочь выверена.

В-третьих, потрясающие костюмы. Похожих «кошек» на сцене нет, все они совершенно разные: пушистые и гладкие, одноцветные и пёстрые, дворовые и породистые, хулиганистые и сдержанные. Обтягивающие трико подчёркивают гибкость движений актёров, а меховые элементы (у кого-то гетры, у кого-то хвосты или нечто вроде шапочек) добавляют им динамики.

Самое главное – идея мюзикла. В форме сказки о кошках, собравшихся на ежегодный бал, мы видим любое человеческое сообщество и взаимоотношения внутри него. Практически в каждой группе найдутся шуты – неунывающие Мангоджерри и Рамплтизер, этакий первый парень на деревне – Рам Таг Таггер, некогда холодная и недоступная красавица Гризабелла, яркий лидер Манкустрап и прочие.

Думаю, что для знакомства с мюзиклами «Кошки» - наилучший вариант. Он никого не оставит равнодушным. И даже если зритель не особенный любитель мюзиклов или театра, после просмотра он определённо будет мурлыкать какую-нибудь мелодию из этого чудесного произведения".

Текст представил  студент факультета искусствоведения ДВГТУ Криворучко Максим.

Приглашаем Вас к диалогу о молодом театре, молодой режиссуре, о театре для молодёжи!




1. Имя и фамилия и кем "работаешь"?

 

Ваня Гарден (Кондрашев), актер Драматического театра Тихоокеанского флота

 

2. Где учился и почему решил стать

актером?

 

Первый спектакль отыграл на своем днем рождения, в возрасте 5 лет примерно. Тогда-то все и завертелось. Потом - тусовка толкиенистов, где тоже было достаточно постановок (в основном - батальных), театральная студия Николая Пинчука. Выбор ВУЗа был логичным, к тому времени уже хотелось изучить все как следует.

 

3. Какие роли нравится играть больше, и какие меньше?

 

Самый любимый, он же самый первый спектакль для меня в ТОФе - это "Билокси блюз" Нила Саймона. С моим героем, рядовым Дональдом Карни, нас связывает многое. Еще, пожалуй, могу отметить роль гопничка из спектакля-пантомимы "Стрелочник".

 

 

4. Какой актерский состав в городе тебе кажется лучшим\сильнейшим (какого театра)? Хотел ли бы ты как-то перетасовать актеров, т.е. составить некую "сборную" труппу (из местных)?

 

Трудно говорить о сильнейших составах. Когда смотришь спектакли, чаще всего поражают именно отдельные исполнители, а не труппа в целом. Перетасовывать, думаю, не следует - в разных коллективах разный менталитет, боюсь, не уживемся. Хотя кое с кем было бы очень интересно поработать.

 

5. Есть ли кто-то из актеров\режиссеров (не важно, местные или нет) кого бы ты мог назвать своим учителем? На кого ты ориентируешься?

 

Из тех людей, которые приняли личное и непосредственное участие в моем взрослении могу назвать Александра Ивановича Запорожца, мастера нашего курса, и педагогов из театральной студии, которая когда-то носила название "Театр им. Папы Карло", Николая Рудольфовича Пинчука и Дмитрия Николаевича Гончарова. Гончаров, кстати, - единственный на Дальнем Востоке специалист по пантомиме, его ученик, Дима Рекачевский - единственный, кто несколько лет назад поступил в школу Марселя Марсо во Франции. Интереснейшие люди.

 

6. Охарактеризуй парой фраз работу в ДОФ.

 

Необходимый опыт, встреча и работа плечом к плечу с настоящими профессионалами.

 

 

7. Творческие планы: в какой постановке хотел бы сыграть, кого и почему?

 

Хочется, чтобы почаще давали роли подонков. Иногда смотришь на свое отражение в зеркале и думаешь, ну и г**нюк же я, так что странно, что играю пока только сугубо положительных персонажей. Ну и еще очень хочется петь. У нас есть детский мюзикл, но мне этого мало.

 

8. Расскажи (хотя бы в паре предложений) как ты видишь развитие "дальневосточного театра" (быть может, конкретно ДОФ)?

 

Развитию дальневосточного театра точно не повредит появление новых молодых и дерзких режиссеров, которые не боятся экспериментировать и говорить на злобу дня. Мне кажется, нынешнее поколение уже все сказало, что хотело сказать, пора дать дорогу молодым.

1. Имя и фамилия и кем "работаешь"?

Ваня Гарден (Кондрашев), актер Драматического театра Тихоокеанского флота.

2. Где учился и почему решил стать
актером?

Первый спектакль отыграл в день своего рождения, в возрасте 5 лет. Тогда-то все и завертелось. Потом - тусовка толкиенистов, где тоже было достаточно постановок (в основном - батальных), театральная студия Николая Пинчука. Выбор ВУЗа был логичным, к тому времени уже хотелось изучить все как следует.

3. Какие роли нравится играть больше, и какие меньше?

Самый любимый, он же самый первый спектакль для меня в ТОФе - это "Билокси блюз" Нила Саймона. С моим героем, рядовым Дональдом Карни, нас связывает многое. Еще, пожалуй, могу отметить роль гопничка из спектакля-пантомимы "Стрелочник".


4. Какой актерский состав в городе тебе кажется лучшим\сильнейшим (какого театра)? Хотел ли бы ты как-то перетасовать актеров, т.е. составить некую "сборную" труппу (из местных)?

Трудно говорить о сильнейших составах. Когда смотришь спектакли, чаще всего поражают именно отдельные исполнители, а не труппа в целом. Перетасовывать, думаю, не следует - в разных коллективах разный менталитет, боюсь, не уживемся. Хотя кое с кем было бы очень интересно поработать.

5. Есть ли кто-то из актеров\режиссеров (не важно, местные или нет) кого бы ты мог назвать своим учителем? На кого ты ориентируешься?

Из тех людей, которые приняли личное и непосредственное участие в моем взрослении могу назвать Александра Ивановича Запорожца, мастера нашего курса, и педагогов из театральной студии, которая когда-то носила название "Театр им. Папы Карло", Николая Рудольфовича Пинчука и Дмитрия Николаевича Гончарова. Гончаров, кстати, - единственный на Дальнем Востоке специалист по пантомиме, его ученик, Дима Рекачевский - единственный, кто несколько лет назад поступил в школу Марселя Марсо во Франции. Интереснейшие люди.

6. Охарактеризуй парой фраз работу в ДОФ.

Необходимый опыт, встреча и работа плечом к плечу с настоящими профессионалами.


7. Творческие планы: в какой постановке хотел бы сыграть, кого и почему?

Хочется, чтобы почаще давали роли подонков. Иногда смотришь на свое отражение в зеркале и думаешь, ну и г**нюк же я, так что странно, что играю пока только сугубо положительных персонажей. Ну и еще очень хочется петь. У нас есть детский мюзикл, но мне этого мало.

8. Расскажи (хотя бы в паре предложений) как ты видишь развитие "дальневосточного театра" (быть может, конкретно ДОФ)?

Развитию дальневосточного театра точно не повредит появление новых молодых и дерзких режиссеров, которые не боятся экспериментировать и говорить на злобу дня. Мне кажется, нынешнее поколение уже все сказало, что хотело сказать, пора дать дорогу молодым.

«Очарование театра остаётся непреходящим для  внимательного читателя, который  находит в сценическом воплощении продолжение замысла автора. Таким очарованием, безусловно, отмечен одного из самых избалованных Бродвеем драматургов второй половины ХХ века.
«Истинный вкус, по мысли А.С. Пушкина,  состоит не в безотчётном отвержении такого-то слова, такого-то оборота, но в чувстве соразмерности и сообразности». Специфика военного языка «по-русски» и некоторые погрешности перевода, к счастью, только акцентировали здоровую степень ностальгии и сентиментальности, звучащей в оригинале драматургического текста, в чём видится  заслуга режиссёра спектакля – Станислава Мальцева.
Стремление к режиссерской самореализации проявилось уже в первых актёрских работах С. Мальцева: в шекспировской комедии «Сон в летнюю ночь» (1992г., реж. Дэвид Эджком), и, особенно, в пьесе «Стеклянный зверинец» Т.Уильямса (1994 г., реж. Брайен Мид), где состоялось независимое решение роли Джима, молодого человека, приятеля Тома (арт. А.Трофимов, А.Стрелков), несостоявшегося жениха главной героини по имени Лора (арт. А.Федосеева, В.Шевченко). Режиссёра – педагога в этом спектакле не оказалось, поскольку Брайен Мид, поставивший к 27 годам «около ста» спектаклей, признавался, что учится у русских актёров. Таких русских учителей в спектакле Б. Мида «Стеклянный зверинец» было восемь. Кроме названных, тогда совсем молодых артистов, в пьесе участвовали две опытные актрисы: Н. Ленская и А. Белых (в роли Аманды). С.Мальцев видел свои первые роли режиссёрски и совершенно иначе, чем американские постановщики, с которыми он сотрудничал. Его самостоятельный взгляд в пьесе Т.Уильямса работал на спектакль, проявляя черты будущего режиссёрского кредо. Путь открытий и борьбы,  прямота, с годами всё более открывающая суть личной сверхзадачи, отражаются в  работах молодого самодостаточного режиссёра. Весь сложнейший диапазон его обречённой на поиск души угадывается в образах, воплощённых на сцене актёрами его театра. Свобода творчества, как и  зависимость творческого состояния, вечная непредсказуемость результата и отнюдь не однозначная слава – такой ценой оплачивается режиссёрская дерзость интерпретатора, переводчика идей драматурга на язык актёров и зрителей.
1943 год. Военная база Билокси в штате Миссисипи. Строгая мужская жизнь совсем молодых людей, каждый день которых может оказаться последним. Жесткость ситуации ускоряет их взросление, заставляя решать важнейшие вопросы человеческого существования в мире: вопросы смысла и выбора. Их «быть или не быть» звучит в спорах о расовых, религиозных и иных различиях, о любви и ненависти, о возможном будущем. «Осталось только выжить», произносит автор (арт. С.Кашуцкий), и вслед за ним главный герой Юджин Морис Джером (арт. А.Касницкий). Эти двое неустанно ведут свой монолог-диалог. Он органичен как наше обращение к памяти и необходим актёру как «самообщение»,   техникой которого каждый из исполнителей спектакля, без сомнения, владеет.
Жажда постижения ремесла, помноженная на искренность проживания проявляется в создании образов Эпштейна (арт.В.Журавлёв), Джерома (арт. А. Касницкий), Хеннеси (арт. Костромин), Виковского (арт. С. Лисинчук), Карни (арт. И. Гарден), Сэлдриджа (арт. Н. Кульков), сержанта Туми (арт. Д. Глушенко), Ровены (арт. Е. Колесникова), Дэзи (арт. А. Чалая), девушек (арт. Н. Войник, А. Проскокова, Е. Удатова).  Искренность весёлого ума Н. Саймона объединяет весь актёрский ансамбль, рождая ту необходимую «маленькую правду» , с которой начинается большая правда в искусстве театра переживания. Режиссёр, как и драматург, изящно балансирует на грани грубости армейского быта и тонкости человеческого бытия, что поднимает спектакль над банальностью житейских ситуаций, превращая их в поэтические философские притчи «о достоинстве и сострадании».
Элегантный минимализм декораций , изящная хореография, правильное и живое в своей харизматической небрежности английское произношение в исполнении песни (И. Гарден), вкус, отличающий метафорическое световое решение и подбор музыкального ряда, оформление программки спектакля, выполненной как конверт от старой пластинки, (оборотная сторона которой оказывается мишенью) - все эти составляющие новой версии  «Билокси Блюз» в театре ТОФ рождают множество ассоциаций в сознании каждого зрителя.
Психологическая насыщенность всех без исключения персонажей зависит от несовпадения драматургического текста и режиссёрских, актёрских, читательских подтекстов; формы выражения смыслов и самих смыслов; внешней закреплённости и внутренней подвижности характеров. В спектакле «Билокси Блюз» театра Тихоокеанского флота нет этой сложности, поскольку нет этого несовпадения: все живут без иллюзий, без притворства и с минимумом надежд. Самые парадоксальные и эксцентрические повороты сюжета странным образом становятся частью очевидного, вполне обозримого, понятного мира драматургии Нила Саймона . Профессиональные актёры и режиссёры американского театра сегодня не считают Н. Саймона сложным драматургом, указывая на его неглубокий юмор и  слишком ясные характеры. Между тем, в «Билокси Блюз» театра ТОФ весь понятный армейский порядок (и сюжет) с его повседневными недоразумениями и неизбежной ломкой стереотипов взрывается изнутри центробежными силами гораздо более мощных общественных и личностных противоречий и тогда всё в этой пьесе вдруг сдвигается и летит преодолевая  хаос (военного) времени.
Вдумчивому зрителю спектакля театра ТОФ, человеку знакомому с американской драматургией, становится ясно, что и оригинал текста пьесы и одноимённый киносценарий, написанные Н. Саймоном, при всех сюжетных расхождениях рассказывают не о войне с её жёстким планом «выжить», и не об армии с её наукой «подчиняться», а о состояниях и пространствах тех катаклизмов, в которых живёт молодой человек (и человек вообще), с его программой «влюбиться, потерять невинность и выжить» в широчайшем смысле этих слов, со всеми возможными импликациями, столь разнящимися для каждого исполнителя и зрителя. Позывные любви и жажды жизни, вместе с голосом саксофона пробиваются в пьесе через все грубые команды, характеристики, суждения. И Арнольд Эпштейн и Юджин Морис Джером во всей своей очаровательной человеческой нелепости оказываются счастливыми мудрецами; а ностальгическая нота дневниковых записей главного героя сливается в восприятии зрителей с мелодией любимого блюза, напоминая, что когда-то «пережитое придёт в чудесное состояние необыкновенной гармонии». (Материалы сборника Научно-практической конференции, ТОВВМИ, дек. 2006)

Добавлю, что спектакль развивается, находя всё новых поклонников,  и не только среди тех, кто в оригинале читает пьесы Нила Саймона.(после спектакля в мае 2011).

Дорогие  создатели «Карнавала в Вероне». Сегодня  впервые в нашем журнале  мы предлагаем отзыв, написанный представительницей клуба "OBRAz", студенткой  третьего курса факультета искусствоведения Валерией Аминовой.
Приглашаем всех  вступить в диалог с начинающим аналитиком.
С уважением, Ваша Лариса Алексеевна Ахмыловская

Аминова В.А.

Группа А 8091

 

После того как я просмотрела спектакль «Карнавал в Вероне, карнавал…!» режиссуры Виктора Галкина и Галины Колесниковой я смогла понять, о чем спектакль и на какие вопросы авторы просят зрителя обратить внимание.

Эта постановка отвечает  на (вечный) вопрос, что было в Вероне после трагической смерти двух влюбленных? Помирились ли враждующие дома? Смогла ли смерть любимых детей залить очаг противоречий?

Но спектакль просит зрителя быть человечнее и  добрее к ближним и верить в любовь. Ведь она может возникнуть после одного доброго слова и разгореться как пламя, если на него ответят взаимностью. Так и случилось с главными героями этой трагикомедии Антонио Монтеки и Розалиной Капулетти. Их встреча произошла в Итальянском городе Верона. Но принадлежали они к разным семьям и до встречи заочно друг к другу испытывали антипатию. Они и не любили и собственный «дом» так как там они были никому не нужны. Розалина - бедная родственница, сирота, которую не раз предавала и обманывала сеньора Капулетти, Антонио же  - «проказа» и «бельмо» на репутации дома Монтеки. И вот эти двое стали идеальными кандидатурами для союза двух семей, так как для своих родных они расходный материал. Антонио даже получает от этого брака материальную выгоду, но это не главное, ведь он находит духовную. В Розалине он видит прекрасного компаньона для жизни, ведь самая страшная участь для человека быть одиноким, всегда должен быть человек который мог бы тебя понять, подбодрить и утешить, разделить радость и горе, к которому необходимо проявлять заботу. Такой для Антонио стала Розалина, она же нашла в нем защитника и опору.

Тема спектакля актуальна всегда:  как найти, разглядеть и уберечь своё счастье и любовь; как не дать их сломать и растоптать посторонним.

Все эти драматические события разворачиваются под звуки прекрасной музыки. Мы видим  прекрасные танцы, в слышим веселые песни, созерцаем  массовые гуляния; понимаем, как праздник жизни превращается  в пир во время чумы. Карнавал граничит с бессмысленными сражениями, предательством и смертью. Но чтобы разбавить эту монохромную палитру  режиссер вводит юмор и романтику.

Первый акт был полон смешного. Прекрасно справлялись со своей задачей весельчаки Самсон (Чернышов И.), слуга дома Копулетти и Бальтазар (Штанько Д.),  слуга дома Монтеки  - два колоритных персонажа. Они то ссорятся, то мирятся, - вечно спорят, чьи хозяева лучше, богаче и достойнее.

Монологи  синьора Монтекки (Салахутдинов А.) были динамичны и веселы. Но средоточием всех юмористических сцен был Антонио (Стрелков А, Климов М.). Юмор персонажа пропитан иронией по отношению к себе и окружающим,. Именно это помогает ему жить в таком  несовершенном мире. Веселый не унывающий характер Антонио помог и Розалине справиться с проблемами и внутренними демонами.

Второй акт был построен на  переплетении многих любовных линий,. Мы узнаем, что когда-то давно между синьорой Капулетти и синьором Монтекки были нежные чувства, но сей час они ещё не определились в прошлом ли эти чувства?

Симпатия Антонио растёт. В сердце героя просыпается любовь к Розалине,  она становится  взаимной. Эти двое  тянулись  друг к другу, борясь со всеми препятствиями. Встретившись, они  остаются до самого конца вместе. Их половинки --- самое главное что у них есть , и никто   теперь не отнимет  у них счастья любви. 

Зрителя огорчает трагическая гибель влюбленных, но  актёры дарят нам надежду.  Жизнь  Ромео,  сына Антонио, и Джульетты дочери Розалины,   ---судьба  живущих ныне влюблённых--- сложится иначе.    

 

    

 

 

ФИОЛЕТОВЫЕ ГОРЫ, ГОЛУБЫЕ ОБЛАКА

О «Смертельном номере» в Театре Флота

 

Л.А. Ахмыловская

 

«Что за притча!» - принято в России восклицать в очень разных ситуациях, диаметрально противоположных по сути своей.

Театр Тихоокеанского флота подарил нам притчу для долгого и внимательного чтения.

«Смертельный номер» — пьеса, написанная Олегом Антоновым в начале  теперь уже таких далёких «лихих 90-х». Первую постановку рискнул осуществить в 1994 году Владимир Машков в театре «Табакерка». Спектакль получил приз «Хрустальная Турандот». Текст перевели на английский, французский, немецкий...

Теперь  «Смертельный номер» ставят не часто. А выбор Станислава Мальцева и театра Тихоокеанского флота продолжает одну из главных линий труппы – драматургия, которая рассказывает о сложном диапазоне творческой личности; о творчестве как сути человеческой.

Вблизи это рассматривать непросто. Никакие годы постижения, тренировок, никакие попытки привыкания не помогут избавиться от ощущения жестокости профессионального творчества. Жестокости по отношению к творцу.

В «Смертельном номере» О.Антонова  есть лишь  смягчённая, закодированная аббревиатура и роскоши творческого процесса,  и избранности творческой личности: артиста, художника, циркового…О личном общении с цирковыми вспоминаю не без светлой, благодарной грусти. В последние годы Советского Союза (точнее,  в 1986 году ) я читала  лекцию об искусстве в религиозной пропаганде для труппы Московского цирка. Ну, так уж сложилось. За несколько  коротких часов нашего общения я поняла, насколько далеко и высоко,  в своём очень особенном мире живут эти люди, соблюдают  приметы, почитают обряды  священной арены, мистифицируя каждую обычную подробность дня, любя собственные мистификации, погружаясь в них, с нежностью посвящая им  свою жизнь. .

Встреча с профессиональным театром, случившаяся на пять лет позже, в другой стране – России, подтвердила самые смелые мои предположения, а также нечаянно-конкретный  и лично прочувствованный тезис о том, что театр – это и есть истинная жизнь. Шире: Творчество  - это и есть истинная жизнь. Когда общаешься годами с практиками  театра и  с теми, кто учит будущих актёров вне зависимости от страны пребывания/проживания/контракта, изумляешься многомерности этих людей, их естественной и культивируемой способности к пресловутой диварикации (раздвоению), нормальной для творчества и аномальной, даже опасной для обычного существования.

Уходя после премьеры из театра 27 мая 2011 года, я видела молчаливых, тихих зрителей. Не было широких премьерных улыбок. Поздравлять друг друга с премьерой никто не бросался. Кто-то оказался постыдно глух к самой теме, к проблемам пьесы, обывательски недоумевая «как это распродаётся». Простим цитируемых, они в своей глухоте  почти не виновны. Прогнувшись когда-то «под изменчивый мир», они лишились последней творческой воли, т.е именно того, что и отличает Homo sensibilis, человека чувствующего, чувственного. От того и негромкими были зрители после спектакля. Попытка оставаться теми, кто покупает билет и вальяжно-снисходительно оценивает  происходящее на сцене, не удалась. А это свидетельствует о важности  и сложности происходящего. Люди вышли из зала, не осознавая чрезвычайной близости «фиолетовых гор и голубых облаков». Пьеса «Смертельный номер» сильна именно той могучей диктатурой символов, которая работает на  самых глубинах подсознания. От логики повседневности  её  порой отделяет толща льда. Чтобы лёд тронулся, давайте чаще бывать в театре.

Актёрам, сценографу, всем создателям спектакля спасибо! За самоотверженность на всех уровнях; за то что они помнят главное:  при всём «серьёзе»  и «полной гибели» это  именуется восхитительным словом «игра»;  за то что в тысячный раз примеряя на себя чужие жизни (Белых, Рыжих, Толстых, Чёрных и многих-многих других), они остаются собой и наслаждаются счастьем полёта.

Наши желания и мечты исполняются ли они…даже когда исполняются?.

Задуматься об этом вновь заставляют нас Роман Колотухин, Евгений Паленый, Сергей Гончаров,  Владимир Журавлев, Сергей Кашуцкий и их прекрасная, нежная спутница. Спасибо!